論繪畫與平面設計的差異性

 　　對繪畫與平面設計(以下簡稱設計)感觸最深的莫過於平面設計師了。設計師不但需要具備繪畫的基本造型技能與審美意識，更需要具備對形式美法則的特殊理解和艱深快捷的創造意念。出於職業的因素，對其間的異同性，不得不去思考與論及。一種人認為:只要有繪畫的造型功夫，設計便不成問題。而另一種人則認為：設計就是設計，有繪畫的造型功底不見得就會設計。持前一種觀點的人多為美術院校的師生，而持後一種觀點的人則為職業設計師。本文就此話題悟出的幾點看法逐一闡述，欲起到拋磚引玉的作用。

　　1.現代繪畫是個性的表露

　　繪畫的意義在於創新，而創新只有通過個性化才能夠得以實現，重復的繪畫沒有生命力。如果我們回顧一下繪畫的發展歷史就會發現：無論在中國還是在西方，每一位傑出的大師都曾經創造過極端個性化的作品。每一位巨匠都具有自己獨特意義上的典型符號。畫家尤其是現代派畫家，他們在創作時完全可以不考慮其作品的社會性。在某種意義上，任何畫家其作品的生命力都在於極端個性化，通過作者對美的形式法則的特殊理解以達到創造新的形式美。

　　可以這麼說，任何一個偉人的畫家，在他的身後都會有自己獨特的美的符號存在。從這種意義上說，畫家不得不把自己個人主觀意志的潛能發揮出來，最大限度地表現自我。為此，梵高無疑具有著最典型的代表意義。梵高在他生前生活的極端艱辛的條件下所創造出的大量作品未曾被拍賣過，就是因為其作品太個性化太超前以致不能被當時的人們所理解。而設計師作為商品的美化師，他們的個性化很多場合下必須被泯滅，其作品的意義才能夠被實現。

　　現代繪畫個性化的表露還體現在五花八門的創新觀念上。當今的世界走一個信息高度發達的世界，如何反映這一時代特征，是每一個前衛藝術家思考和創新的課題。在西方藝術形式復雜多樣的今天，繪畫似乎處於一種低迷的形態。藝術家們為了發現具有個性的獨創，往往采用一些不同種類藝術間的結合，或是運用藝術和科學的結合以實現自己的藝術目標。我們在展覽館裡常常可以看到，一幅繪畫作品一部分是用超寫實繪畫的形式表現，而另一部分則是用活人的軀干與畫面組合讓你真假難以分辨，或是看到繪畫作品用電腦形式去播放以吸引觀眾的注意，這些所謂個性化的藝術品在現代派繪畫的展覽中屢見不鮮，這些藝術的生命力也在於它們獨特而富於個性化的形式上，藝術家們完全不必去考慮觀眾能否接受，而只要考慮自己的藝術如何新，如何具有個性就可以。對此，設計家是絕對做不到的。

　　2.依附性是現代設計在商品經濟中的本質反映

　　設計與繪畫最大的區別在於其對商品的依附性上。

　　設計作為商品在為市場服務時必須具備價值與使用價值，要想贏得客戶的信任與滿意，最終實現設計的價值，它必須通過市場競爭的檢驗，設計最後的成功與否在於它能否達到美化產品最終實現促銷的目的。現實中幾乎每一位設計師在為客戶服務時，都盡量去迎合和滿足客戶對設計的需要。一方面設計師必須站在客戶的角度去猜測客戶的心理以使得自己的設計方案得以通過。另一方面，客戶可能對市場的把握了解遠勝過設計師，設計師不得不服從客戶對他的要求。在設計過程中設計師絞盡腦汁去思考去解釋自己的作品，也許自己認為很滿意，但最終的評判則要通過客戶對其設計能否認可。

　　在這裡有一種情形可以肯定：那就是被客戶選中的未必就是“好作品”，未通過的方案不一定就是“壞作品”。我們常常可以碰到這樣的情況，設計師為某一設計出了一組方案，對其中，二個方案很滿意，而客戶往往選中的卻是設計師自認為的“陪襯方案”，最終的裁決是客戶，設計師只有屈服於他們的“上帝”，這就是市場。設計對商品的依附性還體現代市場是設計的指揮棒，市場的強勁與疲軟將直接影響設計行業的起伏。

　　一種情況:與市場處於經濟危機形態、商品大量積壓、消費者購買力下降時，商家對設計就不很關心。如1991年海灣戰爭爆發之初，歐洲主要工業化國家生產過剩，各廠家處於嚴重的經濟蕭條狀態，生產停滯不前。荷蘭的頓巴設計公司上門為一些廠家服務時得到的回答是:“經濟不景氣我們暫時不需要設計，現有的設計就足夠廣”。

　　另一種情況是:當市場某種產品在賣方市場產品供不應求時，廠家對設計根本不屑一項。可以這麼說，在商品經濟不發達的社會狀況下上談論設計水中的提高根本不現實。我國的設計業所經歷的坎坷歷程足以說明這個基本觀點。

　　3.對混濁美的追求是繪畫藝術的本質體現

　　繪畫與設計的區別不僅僅體現任“個性化”與“依附性”上，還體現在對形式美規律追求的差異性上。“混沌”一詞翻開詞典，釋意曰:“指宇宙形成以前模糊一團的景象。”中國人喜歡含蓄，認為“含蓄”就是美。“混沌”本身就體現著一種不確定耐人尋味的因素，這和中國的古典哲學與宗教相關聯。中國古典繪畫所體現的“空”、“靈”、“氣韻”以及“墨分五色”用有限的筆墨表現無限的意境等美學思想，都是為了在尋找一種不確定的混沌美。雖然這些手法在設計中也偶爾能見到，但一般來說僅是借用繪畫的表現手法，以增強設計的藝術性，而且它不是設計最終追求的表現手段和美學思想，我們從杉浦康平等大師的作品中就可以體會出這一觀點。具體來說:杉浦康平為敦煌設計的系列從書，從表面上他是在追求中國畫“空”、“靈”、“氣韻”的境界，而更深刻的是他把敦煌中的圖形元素，運用現代設計的基本構造原理加以組合。這種“空”“靈”混沌美的境界只是作為設計的一個組成部分而不是全部，希望最終能真正反映出這會系列叢書的內涵。這充分表示出大師的獨具匠心和對繪畫與設計關系的把握上。在西洋繪畫方面，雖然流派眾多，追求的目標形式各異，但整體精神同樣是在追求“混沌美”。古典油畫盡管形態表現細致、逼真，但其意境追求的則是深奧悠遠，發現出不確定的“混沌美”。而現代派追求的則是標新立異的多變，這樣追求的是超現實荒誕的不確定，米羅追求的是童趣下海底世界般的夢幻，體現著不確定的“混沌美”，柏洛克則拎著顏料桶在畫布上同處滴灑不拘一格，他似乎是更接近在追求著“宇宙形成以前模糊一團的景象”。

　　繪畫對“混沌美”的追求不僅僅體現在流派上，而且更體現在對材料肌理的選擇上。何種題材何種效果，需要何種肌理是繪畫追求混沌美的因素之一。繪畫，尤其是現代繪畫，在一幅作品中選擇綜合材料已到了隨心所欲的境地，多種材料的運用旨在加強畫面的混沌美效果，通過撲朔迷離不確定的材質肌理因素以達到變化多端的目的。

　　4.秩序美是平面設計的核心體現

　　設計不同於繪畫還體現在對秩序美的追求上，現代設計對實體的進一步把握是形式法則。形式是實體的具體化、豐富化、精確化。可以看出德漠克得特以原子結構來解釋宇宙實體的內在形式，畢達哥拉斯派則以數理描述宇宙實體的外在形式，他們從天空星辰的布局中悟出了點、線、面的幾何關系，從而把數推為宇宙的本體(“宇宙”這個詞在古希臘就包含著和諧、數量、秩序等意義)。在設計方面數對設計的影響遠的不說，僅從近代有關設計理論，對平面設計的貢獻就可以看出它的重要性。如瑞士設計家約翰·契肖德所發明的數字邏輯形體設計在書籍設計中的運用。再如設計家羅爾·羅塞利奧對哥特式聖經內頁邊緣數值比例的發現，即著名的九段劃分法，他求出了開本寬度尺寸的一個1/9作為內邊，兩個1/9作為外邊，開本寬度尺寸的一個1/9作為天頭，兩個1/9作為地腳的規律。而在1946年，方·德·格拉夫根據羅爾羅塞利奧的九段劃分法，求邊緣的比例圖，發現了用幾何計算的簡單方法取代九段劃分法，這種方法被稱為“蛇瓜式劃分法”。在現代設計史上對20世紀影響最大的代表人物是勒·科布歇，他運用建築學的基本理論根據人體比例進行黃金分割，被稱為模數設計體系。模數最初對於建築形式有著重要的貢獻，後來被運用到平面設計中。模數理論的基本原理就是對太陽神的肚臍、頭頂和伸直手臂的指尖進行分割，之後勒·科布歇將之變為44個長方形進行空間分割。模數體系的核心，就是試圖利用人們對級數變化心理反應所產生的秩序美進行設計。在勒·科布歇發明模數之後，歐洲各國設計師紛紛運用這一設計原理並將之進一步推進，最終形成了網格設計的理論體系。網格設計體系把幾例分析法和數在平面設計中的運用達到了空前的高度，其特征是重視比例感、秩序感、連續感、清晰感。總之，它是以理性的數理為基礎的形式法則在平面設計中的運用。從上述的例證來看，設計的美感體現在有秩序數理的韻律上，這點與繪畫有著本質的不同。

　　5.平面設計的獨立性體現在版式編排和字體形態上

　　繪畫是以圖的形態傳達著信息，一幅好的繪畫作品可以濃縮巨大的信息內容，是文字高度濃縮的載體，在某些場合它可以代替或補充文字的不足。雖然如此，由於繪畫與文字傳播的功能存在著較大的差異，繪畫作為單獨的藝術作品其畫面不存合文字說明，而設計無論是作為專門獨立的藝術，還是特地為某種產品服務都必須有文字說明。只有通過文字形態的存在，其自身價值才能夠得以體現。既然繪畫藝術可以無文字表述出現，故此它也就不存在版式編排問題。現代平面設計作為版面設計(typography)有兩種概念意義上的版式編排:一種是圖形與文字的結合，另一種是純粹文字間的自由組合，這兩種形式均可稱為版式設計。但無論哪一種形式的版式設計都離不開文字的存在，一方面版式編排需文字組成，另一方面文字本身形態的差異豐富了版式編排的多樣性。從世界范圍來看，各國各民族文字從形態演化過程都來源於&ld